Manual de Noise Ninja en español

Personalmente es el programa para reducir ruido que mejor me ha funcionado de los que he probado. Nunca he profundizado demasiado en él, mi forma de utilizarlo es en modo automático: le digo que me cree un perfil para la imagen a la que quiero reducirle el ruido y habitualmente lo hace muy bien, en ocasiones si veo que hay zonas que ha dejado muy “lavadas” con el pincel historia y bajando la opacidad recupero algo de detalle.

Nunca se me había ocurrido leer el manual para sacarle todo el jugo y eso que soy un bicho raro que lee todo lo que cae en mis manos, hasta los manuales (por eso lo de bicho raro). Pero hoy he visto en un hilo en el club digital en el que un nuevo usuario ofrecía una traducción realizada por él.

El enlace para descargarlo lo podéis encontar aquí: Manual Noise Ninja Español.pdf

El enlace para ir a la página de los creadores del plugin aquí: http://www.picturecode.com/

Si no os gusta demasiado leeros los manuales de los programas y preferís  algo más directo también existe este tutorial de Tripiyon: http://www.galeriatripiyon.com/Tutoriales/Retoque-Fotografico/Tutorial-Photoshop—Noise-Ninja.html

Gracias desde aquí a Mat y Tripiyon, autores de la traducción y del tutorial

La mal llamada máscara de enfoque

A punto de terminar con la serie de ventajas del raw comienzo una nueva serie en la que hablaré del enfoque en digital. Para el que quiera ir abriendo boca os recomiendo el artículo de Paulo Porta en Quesdesabesde, todos los métodos que se tratan allí los trataré en la serie, además de algunos más. También hablaré de las razones por las que es necesario enfocar. Empiezo con este, versa sobre el tema del enfoque, aunque lo escribo más como curiosidad que como parte de la serie.

Lo que en Photoshop conocemos como “máscara de enfoque”, al igual que otras técnicas utilizadas en digital proviene del mundo químico, en inglés es conocida como “unsharp mask”, es decir, máscara de desenfoque, las razones por las que se cambió el nombre en la versión española de Photoshop las desconozco, quizás porque para los que desconocen la técnica original el nombre puede llevarles a confusión.

La máscara de enfoque es una técnica de manipulación de imágenes que parece provenir de Alemania y que fue empleada por primera vez en los años treinta del pasado siglo. Es una forma de aumentar la acutancia o apariencia de nitidez. El término “desenfoque” (el que debería ser) deriva de el hecho de que en la técnica se usa un negativo desenfocado, positivado, para crear la máscara de la imagen original. La máscara desenfocada se combina con el negativo, creando la ilusión de que la imagen está más enfocada que el original.

El proceso es el siguiente: partiendo de placas de cristal de gran formato se crea mediante contacto una copia en positivo en otra placa o en una película. Dicha copia se realiza en contacto con la parte trasera del original en vez de juntando las emulsiones, por lo tanto conseguimos una copia borrosa. A la hora del revelado se colocan las dos copias, al pasar la luz por ambas emulsiones, el positivo cancela parcialmente parte de la información del negativo.

La información cancelada es la desenfocada. En los bordes de la imagen es donde más actúa por lo que se genera una gradación que va de un gris claro hasta el tono normal de la imagen, dando la sensación de una mayor nitidez. Además no existe pérdida de detalle en las sombras ni en las luces.

La cantidad de desenfoque se puede controlar cambiando la dureza o suavidad de la fuente de luz, haciéndola concentrada o difusa. La fuerza del efecto se puede controlar cambiando el contraste y la densidad de la máscara.

En la fotografía química esta técnica se solía utilizar en con películas en blanco y negro y existían películas especiales pancromáticas para utilizarse como la copia desenfocada.

En digital se utilizan los mismos conceptos. Al realizar una máscara de enfoque lo que el software realiza es un desenfoque gausiano del original y que posteriormente usa para mezclarlo con el original, además tenemos opciones para delimitar el contraste entre los bordes o el tamaño del detalle. Por esa misma razón se utiliza el mismo nombre, sin embargo en castellano le pusieron el contrario.

El formato raw. Ventajas IX – Exposición

Ver artículo anterior: El formato raw. Ventajas VIII – Los espacios de color

Esta es quizás la ventaja más conocida y en algunos casos la más apreciada, más que nada porque es muy evidente. En los ficheros raw, la exposición puede ser ajustada en el revelador raw (habitualmente dos pasos hacia arriba o hacia abajo). Es algo que nos está vetado en los archivos JPEG, se puede intentar imitar con diversas técnicas pero donde se conseguirá buenos resultados será en los tonos medios, en la zona alta y baja, si la exposición está al límite no será posible obtener resultados aceptables.

Para lograr buenos resultados el revelador raw, juega con ciertas ventajas. En las luces altas, por ejemplo, puede darse el caso de que ciertas zonas de la imagen en un JPEG nos aparezcan quemadas, en muchas ocasiones dichos quemados, sobre todo si afectan a zonas grandes son irrecuperables; incluso trabajando con ficheros raw, sin embargo, existen muchos casos en los que esos quemados realmente no lo son o pueden ser recuperados. Un caso ya lo hemos visto con anterioridad, al aplicar la curva tonal es posible que cierta información en las luces altas se desperdicie dándonos zonas quemadas e irrecuperables en JPEG. Otro caso sería si en la zona quemada no se han quemado todos los canales de color, es posible que la información se haya quemado en uno o en dos de ellos. En este caso en el JPEG obtendríamos una zona sin detalle al aplicar la curva tonal, sin embargo los reveladores raw juegan con ventaja, a partir de la información presente en los canales no quemados y en ocasiones con la información aportada por los pixeles adyacentes pueden recuperar esa zona logrando detalle allí donde no se encontraba.

El hecho de poder obtener archivos con revelados con distinta exposición nos permite recuperar sombras y detalles en las luces que en los archivos JPEG se han perdido. Además, también nos permite realizar distintos revelados de un fichero raw, con uno rescataríamos las luces, en el otro captaríamos el detalle de las sombras, una vez mezclados en el programa de edición lograríamos una nueva imagen con mayores detalles en todo el rango tonal.

En un fichero JPEG también sería posible obtener detalle adicional pero nos encontraríamos con dos problemas. En primer lugar la curva tonal aplicada ha provocado que ciertos detalles se pierdan, dichos detalles desaparecen y nunca pueden ser recuperados. En segundo lugar, el archivo JPEG tiene menos tonos en las sombras que el archivo raw. Esto hace que al intentar recuperar detalles de las sombras tengamos muchas probabilidades de conseguir posterización.

Ver artículo siguiente: El formato raw. Ventajas – Daño acumulativo

El formato raw. Ventajas VIII – Los espacios de color

Ver artículo anterior: El formato raw. Ventajas VII – Compresión

Hay varios espacios de color disponibles para el uso de los fotógrafos. Los dos más habituales son sRGB y AdobeRGB. Cada espacio de color define una cantidad de colores que estarán disponibles para usar en los archivos de imagen. Hay espacios de color más amplios que otros, por eejmplo AdobeRGB es mayor que sRGB y tiene mayor número de colores que este. Las propias cámaras tienen su espacio de color, que puede ser más o menos grande que los espacios que se usan habitualmente, pero en algún momento el espacio de la cámara se tiene que convertir a un espacio estandarizado como lo son sRGB o AdobeRGB.

A la hora de asignar un espacio de color a un archivo la mejor opción es utilizar el que mejor se adapte al dispositivo de salida, ni mayor, ni menor, el más cercano. Si nuestra intención es utilizar las imágenes en páginas web, el espacio que deberemos asignar es sRGB, si por el contrario deseamos utilizar una impresora de inyección de tinta con tintas de pigmentos el espacio deseable sería Adobe RGB.

Si utilizamos espacios que no sean aproximados nos puede llevar a pérdidas de color y degradaciones de imagen. Por ejemplo, si nuestra cámara asigna sRGB a un fichero y después deseamos imprimirlo, lo haremos en un dispositivo que utiliza un espacio mayor que el espacio de origen, estaremos perdiendo información debido a la limitación impuesta por un espacio menor del deseado. Si por el contrario el espacio de color es más grande, tendremos una distancia entre tonos mayor para lograr una mayor gama de colores, colores que luego no podrán ser reproducidos por el dispositivo de salida. Al tener una distancia entre tonos mayor hay mayores problemas de posterización. De hecho, convertir de un espacio de color a otro produce cierta degradación y cuanta mayor es la diferencia entre espacios de color, mayor es la degradación. Por consiguiente, es deseable utilizar el espacio de color correcto e intentar evitar la conversión entre espacios de color y en caso de hacerlo hacerlo el mínimo de veces.

Aquí es donde le raw adquiere otra ventaja. El raw no tiene asignado ningún espacio de color. Es algo que ocurre en el momento del revelado. Por lo tanto, disparando en raw tenemos la flexibilidad de poder asignar el espacio de color que mejor se nos adapte al dispositivo de salida que usaremos para nuestras fotos procesadas. Es especialmente ventajoso cuando dispongamos de fotografías que vayan a tener como destino distintos dispositivos de salida, podremos hacer el mismo proceso partiendo desde el mismo raw pero asignando distintos espacios y asegurándonos una calidad óptima en cualquier dispositivo.

En el caso del JPEG el espacio se asigna en la cámara y es adjuntado al fichero. Si queremos cambiar de espacio de color más adelante, tendremos cierta degradación. Incluso el propio espacio tiene cierta degradación. Las mismas ventajas aplicables al raw por la cantidad de bits son adaptables al espacio de color. Al trabajar con un JPEG, el espacio de color es de solo 8 bits, si hacemos una conversión a otro espacio tendremos errores de cuantización mayores que si trabajásemos con archivos de 12 ó 16 bits como sería el caso del raw.

Ver artículo siguiente: El formato raw. Ventajas IX – Exposición

El formato raw. Ventajas VII – Compresión

Ver el artículo anterior: El formato raw. Ventajas VI – Las curvas

La compresión hablando de archivos de imagen se refiere al acto de eliminar datos para hacer los ficheros más pequeños. Los archivos raw no tienen compresión o si la tienen utilizan compresión sin pérdida (hay una excepción: Nikon usa un tipo de compresión que en teoría elimina información no visible, existe cierta controversia en si es cierto o no, aunque ellos si que la llaman sin pérdida: lossless). Por lo tanto, en un archivo raw no se eliminan datos.

En una imagen raw partimos de un archivo de 12 bits, pero tal y como están construidos los sensores, estos no reciben información de color, solo de luminosidad (dejamos de lado los sensores Foveon). Los datos de color se introducen después mediante la interpolación Bayer. Es decir, en un archivo raw solo tenemos un canal de información, una especie de blanco y negro, por lo tanto es un archivo de 12 bits.

Los archivos JPEG si que tienen información de color, ha sido aplicada la interpolación Bayer y ya disponemos de tres canales, cada uno de ellos de 8 bits, por lo que tendremos ficheros de 8×3= 24 bits de datos. Es decir, en JPEG hay el doble de información que en un archivo raw, y eso que sabemos que el JPEG tiene 8 bits y el raw 12. Cosecuentemente, la única forma de que un JPEG sea menor la lograremos comprimiendo los datos.

Hay dos tipos de compresiones, con pérdida o sin pérdida. La compresión sin pérdida es aquella en la que no perdemos información. La que utilizamos al usar archivos zip o rar, por ejemplo. El problema de este tipo de conversión es que para imágenes no es muy efectiva. La compresión con pérdida tiene la ventaja de que disminuye el tamaño final las imágenes pero a costa de cierta degradación. Los ficheros JPEG utilizan compresión con pérdida, por ese motivo se logran ficheros pequeños, aunque con cierto degradado en la imagen (cuanto mayor es la compresión, mayor es el degradado).

La compresión JPEG sigue ciertos pasos para reducir el tamaño, para empezar convierte el archivo de RGB a modo LAB (es un formato de archivo donde se guarda por un lado la información de luminosidad y en otros dos canales la información de color). Después divide la imagen en cuadraditos de 8 x 8 pixeles. Por último, el algoritmo elimina cierta información de color y detalle para reducir el tamaño. Dicho algoritmo trata cada cuadrado por separado. Esto es la causa de ciertos problemas. Como cada cuadrado es tratado por separad, los cuadrados próximos pueden ser tratados de distinta manera, por ese motivo pueden hacerse visibles los bordes entre cuadrados contiguos dando como resultado una degradación de la imagen.

La visibilidad de estos bordes dependerá de la cantidad de compresión que apliquemos a la imagen. Para ello usaremos unas imágenes de Wikipedia:

 

Imagen	“Calidad”	Tamaño (bytes)	Comentario
	La mejor calidad (100)	83,261	En general la calidad es buena. hay pocos artefactos visibles y cuesta reconocerlos
	Calidad buena (50)	15,138	Comienzan a verse artefactos. los bordes empiezan a no estar definidos.
	Calidad media (25)	9,553	Los artefactos son muy visibles. Hay perdidas muy evidentes de detalles.
	Calidad baja (10)	4,787	Perdida muy acusada,ya no solo son detalles o bordes, en las zonas más o menos homogéneas aparecen artefactos y bordes muy aparentes.
	La peor calidad (1)	1,523	Perdida total de detalle, deja zonas irreconocibles

Las cámaras nos permiten elegir la calidad que queremos utilizar a la hora de grabar en JPEG, desde luego si vamos a usar ese formato la única opción si queremos obtener un mínimo de calidad es la de máxima calidad. Por supuesto, en la calidad mínima no van a guardar las imágenes como en los dos últimos ejemplos presentados, ni siquiera como el antepenúltimo, será algo aproximado al segundo ejemplo, pero las pérdidas son evidentes. Si comenzamos a editar utilizando una imagen con esos artefactos lograremos aumentarlos y además al volver a grabar la imagen en JPEG los aumentaremos un poco más.

Ver artículo siguiente: El formato raw. Ventajas VIII – Los espacios de color

Edito: Al ir a poner los enlaces al artículo anterior me he dado cuenta que no he publicado la parte VI. La tengo en borrador esperando a que realice unas imágenes para ilustrarlo, cuando lo cuelgue borraré este comentario y pondré los enlaces.

Nuevas cámaras BenQ

Sí BenQ. Seguramente esta noticia que he visto en Xataka no es demasiado interesante, son unas compactac más y además de una marca que piensa más en el consumo que en la calidad final de las fotos. Sin embargo hay un detalle que me ha gustado, incorporan una pantalla táctil,nada nuevo, la primera que vi fue una Sony. Pusieron una pantalla de 3 pulgadas, al hacerlo disminuía el tamaño disponible para los botones así que optaron por la mejor de las soluciones, hacerla táctil y poner manejar así la cámara.

La novedad que incorpora BenQ es que gracias a la pantalla táctil te permiten recoger notas y asociarlas a cada foto, desconozco si alguna otra cámara ya lo tenía antes. ¡Se acabó el ir con un cuadernillo para tomar notas y después recordarlas!.

Entrevista a Scott Kelby sobre la Nikon D3

A Scott Kelby le conoceréis muchos porque tiene varios libros en el mercado en el que trata Photoshop desde el punto de vista del fotógrafo. Mantiene un blog: Photoshop Insider, aparte de otros proyectos como Photoshop User TV y ser presidente de la NAPP. Pues bien, a partir de las preguntas recibidas en su email ha decidido contestar algunas en forma de entrevista. Os traigo sus impresiones resumidas, si queréis verlas completas lo podreís hacer en su página:

P. ¿Es la D3 realmente usable a ISOs altos (6400 y más) como prome te la publicidad?
R. Nos cuenta que no la ha probado más hasta 6400 ISO y que es muy usable, sorprendentemente usable y que será un ISO habitual en ciertos profesionales. Tiene ruido, pero mucho menos del esperado

P. ¿Encuentras que la elección de 12MP es una buena decisión por parte de Nikon y suficiente?
R.Dice que es más que suficiente para él y que una mayor lo único que haría sería ralentizarle el flujo de trabajo y que para sus tamaños habituales de impresión 24″x30″ es suficiente. Recalca que es su caso.

P. ¿Has pedido ya una?
R. ¿Bromeas? Ya estoy en la lista de espera esperando el envío.

P. ¿Cuales son las impresiones del nuevo autofocus?
R. Dice que trabaja muy bien para él, pero aclara que el se dedica a paisajes así que no puede sacarle partido que debería probarlo algún profesional de deportes.

P. ¿Como funciona el balance de blancos automático?
R. No lo usa en exterior así que no sabe como funciona.

P. Una pregunta sobre si el chip de la D300 tendrá la misma respuesta al ruido
R. Aquí contesta que son chips distintos y que es posible que el de la D300 no tenga tanbuena respuesta aunque cree que será mejor que el de la d200

P. La D3 reemplaza a la D2H o a la D2X
R. D2X

P. Pues compara impresiones con la 5D, que usaste unas semanas con la D3.
R. Dice que no sería justo comparar una cámara del más alto nivel con otra de otra división y que da sus últimos coletazos antes de sustituirse.

P. ¿Para un fotógrafo de retrato que desea dar un paso adelante y subir un nivel cual debería considerar la D300 o la D3?
R. Dice que Nikon le matará por decir eso pero que prefiere la D300. La D3 la ve más para profesionales del deporte y que la primera cuesta un tercio con el 80% de las características de la segunda. También dice que la D3 será muy buena para fotógrafos de bodas por su ISO.

P. ¿Será difícil comprarlas en un futuro cercano?
R. Dice que Nikon se verá sobrepasado por la demanda como ocurrió con la D200, así que al principio habrá problemas.

P. Pregunta si al ser FF el sensor tiene problemas en los bordes
R. Dice que el no ha notado una disminución de calidad en los bordes.

P. ¿Como es de bueno el Iso bajo. Es el ISO 200 mejor qie el ISO 100 de la D2X?
R.Él cree que el ISO 1200 es como el ISO 400 de la D2X

P. ¿Como compararías una D300 con una Canon 40D
R. Dice que no las ha tenido lo suficiente como para poder compararlas.

P. ¿Que es lo mejor de la D3? ¿lo máximo?
R. Adora el ruido bajo a ISO alto, aunque intenta tirar lo más bajo posible. Y adora la pantalla, dice que es sorprendete la diferencia.

Adora la posibilidad de usar dos tarjetas y las formas de configurarlas. La habilidad de usar el dial principal para pasar a través de las imágenes (dice que suena tonto pero que es de lo que más le gusta). El tacto del botón de disparo (según él , el mejor que ha hecho Nikon nunca, por lo menos en digital) y como queda la cámara en las manos. La imágenes que son cálidas, brillantes y nítidas. Lo máximo es el precio, desearía que fuese menor, pero viendo a la competencia es realmente competitivo.

Blanco y negro en digital II

Método LAB

1. Convertimos la imagen a Color LAB en Imagen-Modo-Color LAB
2. En la paleta canales elegimos el canal Luminosidad
3. Convertimos a Escala de Grises. Imagen-Modo-Escala de grises. Si nos pregunta si eliminamos los otros canales le respondemos que sí. Aquí podemos dar la imagen como terminada o podemos pasar al punto siete.
4. En vez del paso 3 se puede realizar de otra forma, la imagen resultante es un poco más luminosa. Una vez seleccionado el canal Luminosidad seleccionamos todo (Ctrl+A), lo copiamos al portapapeles (Ctrl+C)
5. Pasamos a RGB, Imagen-Modo-RGB
6. Vamos seleccionando los canales de Rojo (Ctrl+1), Verde (Ctrl+2) y Azul (Ctrl+3) y cada vez que seleccionamos uno pegamos el canal Luminosidad que teníamos en el portapapeles (Ctrl+V)
7. Se puede continuar la conversión duplicando la capa fondo (Ctrl+J)
8. Cambiamos el modo de fusión de la copia a multiplicar
9. Variamos la opacidad a nuestro gusto.

Después de aplicar los pasos hasta el final obtenemos el siguiente resultado:

Este método tiene una variante desarrollada por Rob Carr, un fotógrafo conocido por sus retratos de personajes de Hollywood

Métod Rob Carr

1. Cambiamos el modo de trabajo a Color Lab mediante el menú Imagen-Modo-Color LAB.
2. Vamos a la paleta canales y seleccionamos el canal “Luminosidad”.
3. Cambiamos a escala de grises mediante el menú Imagen-Modo-Escala de grises.
4. Se selecciona el canal creado, para ello pinchamos sobre el con la tecla control pulsada. Se creará una selección.
5. Invertimos la selección Seleción-Invertir (Mayús+Ctrl+I)
6. Rellenamos la selección con color negro, mediante la creación de una nueva capa de relleno (capas-Nueva capa de relleno-color sólido), aparecerá un cuadro de diálogo para darle nombre, pulsamos aceptar, aparece una nueva ventana para elegir color, seleccionando el color negro).
7. Cambiamos la opacidad de la capa de relleno que acabamos de crear al 50%.
8. Creamos una nueva capa de ajuste de niveles con capa-nueva capa de ajuste-Niveles. También podemos usar una capa de curvas en vez de niveles.
9. Ajustamos las curvas o niveles hasta dejarla a nuestro gusto. Hasta aquí estaría acabado el blanco y negro. A partir de ahora le aplicamos un enfoque.
10. Seleccionamos la capa Fondo y la duplicamos (capas-Duplicar capas)
11. Aplicamos sobre la nueva capa un filtro de paso alto con radio 10 con Filtros-Otros-Paso alto
12. Asignamos el modo de fusión Luz fuerte a la capa que acabamos de ponerle el filtro paso alto, para ello cambiamos el desplegable de la paleta capas.
13. Reducimos la opacidad de la copia de la capa de fondo hasta un valor que nos parezca adecuado (Rob empieza en 25%).

Una vez aplicado este método obtendremos esto:

Método Russel Brown

1. Se crean dos capa de ajuste. En Capa-Nueva Capa de Ajuste-Tono/Saturación-.
2. Se cambia el modo de fusión de esta capa a Color.
3. Se crea otra nueva capa de ajuste Tono/Saturación y se desatura completamente:-100. Pulsamos OK.
4. Ahora abrimos la capa creada anterior mente haciendo doble click en ella y desplazamos los deslizadores Tono, Saturación y Luminosidad hasta que encontremos la combinación que nos guste.

Cuyo resultado puede ser este:

Método de capas para retratos

1. Seleccionamos la imagen (Ctrl+A).
2. Copiamos al portapapeles(Ctrl+C).
3. Archivo-Nuevo. Dejamos las dimensiones por defecto, que son las del archivo que hay en el portapapeles.
4. Pegamos (Ctrl+V).
5. En la nueva imagen aplicamos el cambio de modo: Imagen-Modo-Escala de grises.
6. Seleccionamos la imagen original.
7. Seleccionamos el canal azul. (Ctrl+3)
8. Seleccionamos la imagen (Ctrl+A).
9. Copiamos (Ctrl+C).
10. Pegamos (Ctrl+V) en la imagen que está en modo escala de grises.
11. Renombramos la nueva capa y le llamamos azul.
12. Seleccionamos la imagen original.
13. Seleccionamos el canal verde.(Ctrl+2)
14. Seleccionamos la imagen (Ctrl+A).
15. Copiamos al portapapeles(Ctrl+C).
16. Pegamos (Ctrl+V) en la imagen que está en modo escala de grises.
17. Renombramos la nueva capa y le llamamos verde.
18. Seleccionamos la imagen original.
19. Seleccionamos el canal Rojo (Ctrl+1)
20. Seleccionamos la imagen (Ctrl+A).
21. Copiamos (Ctrl+C).
22. Pegamos (Ctrl+V) en la imagen que está en modo escala de grises.
23. Renombramos la nueva capa y le llamamos rojo.
24. Ponemos la opacidad de la capa rojo al 15% (valor orientativo).
25. Ponemos la opacidad de la capa verde al 35% (valor orientativo).
26. Ponemos la opacidad de la capa azul al 35% (valor orientativo).
27. Aplicamos una máscara rápida sobre la capa rojo (Q) y dibujaremos con un pincel negro (opacidad 19% – Flujo 24 %) sobre las zonas oscuras: cejas, pestañas, pelo.
28. Ajustamos las opacidades de las capas rojo, verde y azul hasta encontrar el blanco y negro buscado.

En este caso utilizaré otra foto ya que el método está pensado para retratos y para poder comparar pongo primero una con la opción de desaturar:

Blanco y negro en digital I

Hace tiempo escribí en ODWiki un tutorial de distintos métodos para convertir una foto en blanco y negro. He decidido retomarlo para ilustrarlo. Así que iré copiando el mismo texto y añadiendo ejemplos:

El blanco y negro en fotografía se utiliza por distintos motivos, para aportar dramatismo en las fotos, para hacerlas atemporales o simplemente por razones artísticas. Para que una fotografía en blanco y negro se considere buena debe de entrar en lo que se conoce como sistema de zonas, que a grandes rasgos es que la fotografía tenga toda la gama de grises, desde el blanco más blanco hasta el negro más negro. El sistema de zonas es una técnica de blanco y negro, que diseñó el fotógrafo Ansel Adams.

Para convertirla en blanco y negro hay distintos métodos, el más simple de ellos es convertirla a escala de grises, sin embargo este método da unas imágenes planas, sin contrastes y con mucho gris, es básicamente lo mismo que hacen las cámaras digitales cuando les decimos que queremos una foto en blanco y negro, por esa razón no es recomendable utilizar esa opción y sacar las fotos en color y luego convertirlas en un ordenador. Usaremos la fotografía de Bardenas que encabeza el artículo para ir mostrando los distintos resultados.

Comando desaturar

Es como el anterior, simple y poco efectivo, consiste en abrir una foto en Photoshop o cualquier otro programa de edición ir al comando tono/saturación y poner la saturación a -100, o lo que es lo mismo ir a Imagen-Ajustes-Desaturar que tiene el mismo efecto. En general este método da unas imágenes planas y de tonos muy lineales. Su única ventaja es la rapidez, sin embargo luego es necesario modificar niveles o curvas para darle algo más de vida a a la foto.

El resultado este:

Usando el Tono/Saturación

Vamos a Imagen-Ajustes-Tono/Saturación (Ctrl+U), esa herramienta se usa para modificar la intensidad de los colores y su saturación, incluso para variarlos. Como hemos visto arriba si se baja a -100 es lo mismo que el comando desaturar. En este caso lo dejamos a cero.

1. Entramos en cada uno de los canales de color(rojo, amarillo, cian, verde, azul y magenta) y los ponemos a -100. Hemos hecho lo mismo que haciéndolo en el principal, pero ahora tenemos más juego.
2. Ahora podemos mover cada uno de los deslizadores de luminosidad de los colores lo que nos permite darle más o menos importancia a unas zonas dependiendo del color. Por ejemplo los rojos y amarillos tienen mucha importancia en un retrato, sin embargo el verde por mucho que lo movamos no afectará en nada, salvo que el fondo posea este color.
3. Este método no es válido para imágenes muy comprimidas ya que pueden hacer aparecer los artefactos de la compresión del JPG.

En el caso de la imagen que nos ocupa el canal que más ha hecho ha sido el amarillo, subiéndolo hemos dado algo más de luz al suelo, el resto o no tenían efecto en la imagen como el magenta o el efecto era pequeño:

Usando el mezclador de canales

1. Abrimos Imagen-Ajuste-Mezclador de canales
2. Activamos la opción Monocromo
3. Ahora modificamos los valores de rojo verde y azul para darle más o menos importancia a un color.
4. Es recomendable mantener los valores de forma que siempre sumen un 100%. Aunque también se puede variar, si damos valores que superan el 100% aumentaremos la luminosidad de la imagen y si damos menos la bajamos, al aumentar o disminuir la luminosidad también hacemos lo mismo con el contraste.
5. La luminosidad también se puede controlar con el deslizador constante. Si queremos darle más importancia a un color y nos pasamos de luminosidad, esta se puede bajar dando valores negativos en la constante.

Este método sirve para imitar la utilización de filtros de colores en las películas de blanco y negro. En estas según se utilizaba un filtro u otro se potenciaban más o menos determinados colores, así pues un filtro rojo oscurecía mucho los cielos, haciéndolos casi negros y aclaraba mucho su color.

En la siguiente foto se puede ver el distinto efecto que se obtiene según se use el mezclador imitando la utilización de un filtro verde o un filtro rojo:

	Rojo	Verde	Azul
Rojo	90	10	0
Naranja	78	22	0
Amarillo	60	28	12
Verde	10	70	20
Amarillo-Verde	35	48	17
Verde oscuro	50	0	50
Azul suave	50	50	0

Además de eso se puede imitar el resultado que se obtenía con determinadas películas de blanco y negro, esto es debido a que no todas tenían la misma sensibilidad a los distintos colores.

	Rojo	Verde	Azul
Agfapan 25	25	39	36
Agfapan 100	21	40	39
Agfapan 200X	18	41	41
Agfapan 400	20	41	39
Ilford Delta 100	21	42	37
Ilford Delta 200	22	42	36
Ilford Delta 400 Pro y 3200	31	36	33
Ilford FP4	28	41	31
Ilford HP5	23	37	40
Ilford Pan F	33	36	31
Ilford SFX	36	31	33
Ilford XP2 Super	21	42	37
Kodak TMax 100	24	37	39
Kodak TMax 200	27	36	37
Kodak Tri-X	25	35	40

El formato raw. Ventajas V – Posterización.

Ver artículo anterior: El formato raw. Ventajas IV – Enfoque.

Una consideración a tener en cuenta con las imágenes JPEG es que la limitada cantidad de tonos disponibles hace que estos se encuentren mucho más distantes entre si que los disponibles en una imagen raw. Si además procesamos posteriormente la imagen esa distancia puede incrementarse con lo que se tendrían zonas de tonos en las que los colores adyacentes tendrían un hueco. En ocasiones esto es visible en forma de posterización. Cuando ocurre la posterización, el ojo humano detecta cambios bruscos de un color a otro, por el contrario, cuando no está presente se producen degradados suaves y sin diferencias. Como consecuencia de esto se producen perdidas de detalle y bandas. Los lugares más visibles son las áreas donde apenas hay detalle, por ejemplo, los cielos claros pueden tender a mostrar cierta posterización. Con los archivos raw es un problema menor porque tenemos una mayor cantidad de tonos disponibles lo que hace que esten mucho más cercanos los unos de los otros.

Para saber porque ocurre debemos saber algo de como funcionan los programas de edición. Las imágenes para un ordenador están compuestas de números. Además unos números limitados, como hemos visto con anterioridad un JPEG dispone de 256 tonos por color, es decir, solo trabaja con 256 números. Cuando Photoshop o cualquier programa de edición trabaja con las imágenes lo que hace son operaciones con esos números que determinarán los nuevos. Aunque Photoshop trabaje con decimales al final necesita entregar un número entero que concuerde con los tonos disponibles en la especificación JPEG, así pues, si despues de una operación obtiene que un determinado pixel en el rojo debería tener 134,26, redondeará y pondrá el número 134. La información eliminada se pierde para siempre, por lo tanto tenemos un error de cuantización y consiguientemente una degradación de la imagen. Por ejemplo, si dos tonos después de aplicarles un proceso acaban debido al redondeo siendo el mismo tono, estamos consiguiendo que lo que debían haber sido dos tonos distintos se conviertan en uno solo, es decir, una pérdida de detalle. El raw tiene muchísimos mas tonos disponibles que el JPEG, la distancia entre ellos es mucho menor, como consecuencia de ello los errores de cuantización es un asunto menor en el revelado raw y su posterior proceso.

Ver el artículo siguiente: El formato raw. Ventajas VI – Las curvas

Para una explicación más completa de la posterización, como evitarla o corregirla puedes ver el artículo: Posterización