Rango dinámico

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Archive for 31 octubre 2007

Exponiendo para blanco y negro

Posted by caiser en octubre 31, 2007

Ir al artículo anterior: Introducción al blanco y negro  

Exposición

Antes de adentrarnos en lo que sería el proceso de retoque en el ordenador abordaremos el tema de cómo expondremos una foto en digital cuando ya sepamos que el destino final de la imagen va a ser convertirla a blanco y negro. Aunque ya adelantamos que no difiere mucho a como lo haríamos para imágenes en color.

El objetivo de una exposición correcta en la película de blanco y negro es capturar la mayor cantidad posible del rango dinámico disponible en la escena, con el máximo contraste que sea posible. Las mismas reglas se pueden aplicar a la toma digital, aunque expondremos de manera contraria a como se hacía en fotografía química.

La mayor diferencia entre la captura digital y la película de blanco y negro es el rango dinámico. Las películas de blanco y negro tienen una latitud tan grande que en la mayoría de ocasiones no es una exageración decir que no importa demasiado como expongas ya que conseguirás una fotografía usable. Aún es más, en blanco y negro existe una predisposición a tomar las fotografías sobreexpuestas, de hecho es habitual exponer la película un paso por debajo de su sensibilidad real – películas de ISO 400  a ISO 200, por ejemplo.

En digital deberemos tener mucho más cuidado con la exposición, sobre todo con altas sensibilidades en las que disminuye el rango dinámico disponible. Además deberemos poner un cuidado especial en no sobreexponer la imagen o perderemos las luces altas.

La tecnología de los sensores hace que las cámaras digitales tengan una respuesta similar a las diapositivas. Por ese motivo es más fácil quemar las luces altas. En una foto a color los quemados distraen menos debido a que el color añade otra dimensión a la fotografía. La fotografía en blanco y negro es dependiente de la tonalidad, así que las zonas quemadas pueden ser mucho más peliagudas. Incluso las zonas cercanas a las altas luces, a menudo son planas y faltas de detalles tonales y es algo que deberemos evitar.

Hay otra diferencia importante entre la fotografía en color y en blanco y negro, el grano o el ruido. El ruido en color suele resultar horrible, sin embargo en blanco y negro añade interés a la imagen, por eso en ocasiones es deseable añadir ruido en el producto final.

Disparar en raw

En los artículos sobre el formato raw vimos las ventajas de disparar en ese formato. En la fotografía en blanco y negro cobran una especial relevancia. En color debemos tener cuidado de no quemar las luces altas, en blanco y negro debemos poner mucho más cuidado en evitarlo. Como vimos en JPEG, las luces pueden resultar fácilmente quemadas y sin embargo con el formato raw podemos trabajar la foto de forma que esos quemados no se produzcan.

Disparando en JPEG, si queremos trabajar después la foto en blanco y negro, ante la duda deberemos subexponer la imagen para no quemar las luces. Al hacer esto estamos perdiendo parte del rango dinámico de la cámara. Es una razón más para utilizar el raw.

Además de lo expuesto al disparar en raw disponemos de otra ventaja, podemos revelar la imagen con distintas exposiciones, de esta forma lograremos obtener detalles tanto en las sombras como en las zonas cercanas al quemado. Como el blanco y negro se apoya en las tonalidades es una ayuda considerable.

El resto de ventajas del raw siguen siendo válidas para la fotografía en blanco y negro como por ejemplo el hecho de trabajar en 16 bits contra 8 bits. Con 8 bits es más fácil que aparezca la posterización.

Horquillado y HDR

Ya hemos visto que disparando en raw tenemos la posibilidad de revelar la imagen con distintas exposiciones para obtener detalles y texturas tanto en las sombras como en las luces. Y la fotografía en blanco y negro se beneficia muy especialmente de esos detalles. En la misma línea tenemos la posibilidad de utilizar un horquillado de exposiciones para luego unirlas en Photoshop. De esta forma aumentamos el rango dinámico de la escena y conseguimos mejores detalles en las zonas más críticas como las luces altas y las sombras profundas.

Ese mismo horquillado podemos utilizarlo para realizar una imagen HDR, además del aumento de rango dinámico de la escena obtendremos una mayor riqueza en los detalles debido al contraste local aplicado en el mapeado de tonos.

Ir al artículo siguiente: Consideraciones antes de convertir a blanco y negro

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Introducción al blanco y negro

Posted by caiser en octubre 31, 2007

Me he estancado en los artículos de enfoque. Tengo ya dos enteros escritos y uno a medias, casi terminado. Pero hay información que quizás debería haber incluido en lo que he escrito, así que estoy viendo la forma de introducirla. Mientras resuelvo el problema voy a retomar los dos artículos que tengo escritos sobre el blanco y negro. Se trataban de una mera recopilación de métodos usados para usar transformar a blanco y negro. Intentaré crear una serie de artículos algo más extesa en la que hablaré no solo de los métodos disponibles sino de los acabados posteriores a la utilización de esos métodos, así como de la conversión a virados o la inclusión de ruido (grano) en la imagen y en cuanto decida como continuar con la otra serie iré continuándola.

 Introducción al blanco y negro

La fotografía en blanco y negro siempre a sido el nicho donde se instalaban la mayoría de fotógrafos profesionales, sobre todo los que mayores inquietudes artísticas tenían, excepto quizás la mayoría de los fotógrafos de naturaleza. Hay un motivo muy claro para que esto ocurriese, la fotografía en blanco y negro permitía una libertad a la hora de retocar en el laboratorio que no era posible con la fotografía en color o suponía unos costes desorbitados en esta última. Los retoques en laboratorio eran variados y pasaban desde acentuar el contraste o aclarar y oscurecer zonas mediante reservas y quemados.

Con el advenimiento del formato digital hubo muchos fotógrafos que vieron como los mismos retoques que durante años habían realizado en el laboratorio ahora podían hacerlos con mucha mayor facilidad en el ordenador y sobre todo con una velocidad inusitada en comparación a las horas que podían pasar con algunos de sus negativos. Es más, esos mismos retoques podían aplicárselos a las copias en color, cosa que hasta ahora les había sido vetado. Además se podían olvidar de utilizar filtros de color para suavizar o acentuar ciertos colores de la escena ya que podían hacerlo a posteriori y con una mayor precisión.

Blanco y negro con la cámara

En principio para crear fotografías en blanco y negro disponemos de dos métodos. el primero es decirle a nuestra cámara que nos haga la fotografía en ese modo (la mayoría de las cámaras lo permiten). El segundo método es el recomendado, hacer la foto en color y luego utilizar el ordenador para convertirla en blanco y negro.

¿Por qué recomendamos el segundo método?.

  • Si le dices a la cámara que realice una foto en blanco y negro, esta descarta la información de color. Por lo tanto no tenemos vuelta atrás. Haciendo la foto a color tenemos la posibilidad de elegir a posteriori si deseamos tener la foto en blanco y negro o en color o incluso de las dos formas.
  • Obtendrás mejores resultados. La cámara te va a dar una imagen con 256 tonos de gris. Con una imagen a color dispones de 16 millones de colores. Dispones de más información por lo que las transiciones entre tonos serán mucho más suaves, sobre todo si haces ediciones posteriores.
  • Posees mucho más control. Tú cámara no sabe si estás fotografiando una persona, un paisaje o la calle… o las condiciones de la toma (un interior, exterior, día soleado o nuboso…). Con la cámara siempre obtendrás resultados similares. Si eres tú el encargado de realizar la conversión tendrás un control total para usar la técnica adecuada a la fotografía.
  • Por último la flexibilidad. Como veremos más adelante el disponer de la información de color nos ofrece una gran versatilidad. Podemos realizar grandes variaciones sobre el resultado final de la fotografía, cambiando totalmente el resultado obtenido en función de los colores de esta.

Seleccionando fotos para blanco y negro

Es posible convertir a a blanco y negro cualquier fotografía, pero hay algunas con las que obtendremos mejores resultados que en otras. Las buenas fotografías en blanco y negro se suelen caracterizar por tener una gama alta de tonalidades, suelen abarcar todos los tonos disponibles desde el blanco al negro, es decir, son fotografías con un gran contraste, aunque también es posible convertir fotografías de bajo contraste a blanco y negro y veremos más adelante como hacerlo.

Hay fotografías en las que el sujeto principal se beneficia del color, son muy coloridas o el color es el motivo principal de la fotografía. En esos casos el paso a blanco y negro no beneficia a la fotografía, más bien hace que disminuya el interés.

Puede también haber diversas razones para utilizar en blanco y negro en ciertas fotografías. Una de ellas es que este aporta dramatismo. Así pues podemos utilizarlo en imágenes en las que queremos que sean más dramáticas, un caso muy claro es la fotografía social, sobre todo cuando incluye a personas desfavorecidas o situaciones trágicas.

Otra posibilidad es que se quiera dar un ambiente tétrico a la fotografía. Una casona abandonada nos dará más miedo (si es que una fotografía nos puede dar miedo) si la vemos en blanco y negro que si vemos el verde de la hierba  alrededor o el azul del cielo.

Otra de las facultades del blanco y negro es que este aporta atemporalidad a las imágenes, una imagen en color nos la situa claramente en un contexto actual. Podemos variar el color, envejecerlo o deslavarlo, pero aún así este nos seguirá aportando cierta información, nos puede dar la sensación, por ejemplo, de ser una foto de los años sesenta o una vieja polaroid, dependiendo del tratamiento. Sin embargo la imagen en blanco y negro nos aporta una indeterminación en el tiempo. Si hacemos una foto en blanco y negro de la catedral de Burgos esta no nos da información de si es actual o antigua, la foto se convierte en atemporal. Así pues puede ser un motivo para elegir determinadas imágenes para convertirlas a blanco y negro.

Otra posibilidad del blanco y negro es la facilidad para crear series o igualar las imágenes. Imagina que quieres realizar una composición de varias fotos de miembros de tu familia, pero las fotos que has elegido al colocarlas juntas desentonan unas con otras, todas se han tomado en distintas condiciones y por lo tanto los colores, saturaciones y contrastes son distintos, una buena solución es pasarlas todas a blanco y negro, todas adquirirán una apariencia similar y al juntarlas no desentonarán unas con otras, como colofón final se le podría añadir a todas ellas el mismo virado por lo que su apariencia se igualaría mucho más.

Entre las imágenes que más posibilidades nos ofrecen al convertirlas en blanco y negro son aquellas que se basan en las texturas. El blanco y negro al ser desprovisto del color hace que los detalles finos cobren mayor relevancia. Así pues una foto basada en texturas al ser pasada a blanco y negro resaltará estas, dándoles más importancia.

 Ir al artículo siguiente: Exponiendo para blanco y negro

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Manuales de plugin en español

Posted by caiser en octubre 25, 2007

Hace unos días os hablé de la traducción del manual de Noise Ninja, realizado por Mat, un usuario del Clubdigital. Hoy ha colgado cuatro enlaces, con cuatro manuales, Noise Ninja, Noiseware, Portraiture y Real Grain:

Desde aquí agradecer el trabajo realizado.

Via: http://www.elclubdigital.com/foro/showthread.php?t=97458

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Nueva página

Posted by caiser en octubre 23, 2007

Acabo de crear una nueva página llamada “Artículos”. La puedes ver en la parte de arriba del blog. En ella iré recopilando los artículos del blog para que se encuentren más accesibles, ya que el formato blog es muy cómodo para escribir pero poco práctico para llenarlo de información, ésta queda muy dispersa.

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El enfoque en digital VIII – El enfoque basado en luminosidad I

Posted by caiser en octubre 23, 2007

Ir al artículo anterior: El enfoque en digital VII – El enfoque paso alto 

En los artículos anteriores hemos conocido ciertas herramientas de enfoque básicas; hemos visto que el enfoque puede ser ajustado separadamente en los tonos medios, las luces o las sombras; hemos visto que el uso de capas separadas de la imagen nos da mayor flexibilidad en el proceso. Sin embargo, a pesar de todo lo dicho todavía tenemos ciertos problemas sin resolver. Ahora trataremos de eliminar las diferencias de color en los bordes y la naturaleza destructiva del enfoque, aunque con el enfoque paso alto ya hemos visto las claves para ello. Para explicarlo veremos tres técnicas de enfoque. Las tres se basan en el mismo concepto, usar la luminosidad para aplicar el enfoque, con las dos primeras: el enfoque LAB y el de la herramienta transición nos elimina el problema de los colores que pueden aparecer en los bordes. La tercera técnica soluciona los dos problemas, utiliza las técnicas usadas por los dos anteriores y añade el uso de capas como hacíamos en el enfoque paso alto.

El enfoque LAB

Ya hemos visto que el enfoque realiza un incremento de contraste a lo largo de los bordes, sin embargo en ocasiones pueden aparecer diferencias de color en algunos bordes al ser enfocados. En la figura 22 se puede ver una imagen aumentada al 300% y con una mde exagerada para apreciar mejor el efecto. Se ve un ligero aumento del color cian en el halo. En la figura 23 se ha aplicado la misma cantidad de mde pero utilizando una fusión de capas en modo luminosidad (luego lo veremos en detalle); el halo sigue siendo visible por el efecto exagerado de la mde, pero los tonos cian han desaparecido de la imagen. (Quizás en tu monitor no veas gran diferencia, en este momento estoy editando desde el portatil y la diferencia me cuesta más distingirla que en el monitor de sobremesa)

Figura 22

Figura 23

Estas diferencias de color se producen por un motivo muy sencillo. Lo habitual es trabajar en RGB, es decir, tratamos con los tres colores primarios de la luz, esto hace que al aplicar la mde lo hagamos con distintas intensidad en todos los canales lo que hace que se contraste más en unos que en otros. Una forma de evitar esto es trabajar en modo LAB, este espacio también trabaja con tres canales, sin embargo, no son iguales que los canales de color de RGB. El espacio LAB posee un canal “L”, en el que se guarda la información tonal de la imagen, es decir, la luminosidad. Luego tenemos dos canales de color en el canal “a” tenomos la formación del azul/amarillo y en el canal “b”, guardamos la información del verde/rojo.

El método de enfoque LAB consiste en transformar la imagen a modo LAB, después aplicaremos un enfoque en el canal luminosidad. Al no haber información de color no pueden aparecer colores distintos en los bordes. Pero veámoslo detenidamente:

En primer lugar deberemos pasar a modo LAB, esto lo podemos hacer en Imagen/Modo/Color Lab. A continuación en la pestaña canales elegimos el canal luminosidad o pulsamos Ctrl+1:

Figura 24

En este momento aplicamos el enfoque que consideremos conveniente, o la máscara de enfoque o el enfoque suavizado. Después de enfocar, la imagen la debemos convertir de nuevo a RGB, para ello vamos a Imagen/Modo/Color RGB.

El problema que teníamos con el color en los bordes se soluciona, sin embargo nos encontramos con otro problema. Para realizar el método necesitamos realizar dos conversiones entre distintos modos de color. En cada cambio la imagen sufre un pequeño degradado. El degradado es insignificante según las pruebas realizadas por Dan Margulis, uno de los gurús de Photoshop. Sin embargo ,aparece otro problema que hace que este método no sea válido para muchos fotógrafos: el cambio de modo no nos permite conservar las capas. Antes de realizarlo deberemos acoplar la imagen. Así que veremos nuevos métodos que aprovechan el potencial de este pero que omiten sus problemas.

La herramienta transición

Este método es extremadamente simple. La herramienta transición es un poco desconocida. Como podemos ver en la figura 25 lo habitual es que esté desactivada. Es una herramienta que aparece inmediatamente después de realizar un filtro o alguna acción de Photoshop y es el equivalente a utilizar capas. La capa inferior sería la imagen antes de la utilización del filtro y la capa superior sería la imagen una vez aplicado el filtro. Como vemos en la figura 26, una vez aplicado un filtro o un comando, esta se activa con el nombre de la acción realizada, si hacemos otra cosa desaparece o aparece con un nuevo nombre. No vuelve a aparecer aunque deshagamos la acción.

Figura 25

Figura 26

Al ejecutarla nos aparece un menú, como decíamos, este actúa como las capa, pero sin todas las funciones de estas, en este caso solo tenemos el modo de fusión y la opacidad de la capa de arriba (la imagen creada)

Figura 27

En el caso que nos ocupa realizaremos el enfoque que consideremos oportuno, mde o enfoque suavizado, a continuación ejecutaremos la herramienta transición y en el menú pondremos el modo de fusión a Luminosidad. La opacidad la mantenemos al 100%. Una vez pulsemos OK se modificará el enfoque para que solo se produzca en función de los valores tonales de la imagen. El resultado que obtenemos es prácticamente el mismo que obteníamos con el método LAB.

Quizás te estés preguntando porque no arrojan los mismos resultados un método y otro si en realidad los dos aplican el enfoque en función de la luminosidad de la imagen. Aunque en castellano tanto el canal LAB como el modo de fusión se llaman Luminosidad no se consiguen de la misma manera. En inglés no tienen el mismo nombre, el canal “L” del modo  LAB, se llama Lightness y el modo de fusión es Luminosity. Ambos utilizan fórmulas para calcular el valor tonal de cada uno de los pixeles, pero estas fórmulas son distintas. Al final los dos nos dan valores tonales muy similares y dos imágenes parecidas pero tiene pequeñas diferencias.

Estas diferencias no son significantes lo que hace que el método transición sea preferible sobre el método LAB ya que no tiene las desventajas de este último, sobre todo porque podemos mantener las capas. Sin embargo, en el siguiente cápitulo trataremos el tercer método basado en la luminosidad, que nos dará todavía más control.

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El enfoque en digital VII – El enfoque paso alto

Posted by caiser en octubre 23, 2007

Ir al artículo anterior: El enfoque en digital VI – El enfoque suavizado

El enfoque paso alto

Sigamos viendo métodos de enfoque. El enfoque paso alto va un pasito más adelante, nos permite una cantidad considerable de flexibilidad. No busques el enfoque paso alto en el menú de la mde o el enfoque suavizado. Este no es un filtro dedicado a enfocar, se trata de una técnica de enfoque basada en el filtro paso alto, utilizando una copia de la capa fondo.

Con dicha técnica conseguiremos dos ventajas. La primera de ellas es que el enfoque no se lo aplicamos directamente a la imagen sino a una capa independiente, por lo tanto no es destructivo, al revés de lo que hemos visto hasta ahora podemos volver atrás si nos equivocamos al aplicar el enfoque en cualquier momento. podremos tanto eliminarlo, como reducirlo o aumentarlo.

La segunda ventaja es la utilización del propio filtro paso alto. Este filtro nos permite aislar los bordes, así pues podemos aplicar el enfoque donde realmente se necesita ya que las áreas más lisas estarán “protegidas” por el filtro.

Para aplicarlo comenzaremos duplicando la capa fondo. Lo podemos hacer arrastrando esta sobre el icono para crear una nueva capa (Figura 19). Después pondremos el modo de fusión a luz fuerte (Figura 20).

Figura 19

Figura 20

Entonces con la copia del fondo seleccionada aplicamos el filtro paso alto. Para abrirlo vamos a Filtros/Otros/Paso alto. En la figura 21 podemos ver el menú del filtro. Solo disponemos de un control llamado radio. Si tenemos imágenes con mucho detalle deberemos usar radios pequeños, si la imagen tiene menos detalles podremos usar radios mayores. Al igual que ocurre con la mde deberemos aumentar el radio el máximo sin que los detalles se degraden. Si nos pasamos con el radio conseguiremos perder detalles. En la imagen del menú podemos ver como actúa el filtro paso alto en la copia del fondo y en la imagen de la pantalla veremos los resultados que el filtro paso alto está aplicando a a la imagen. Cuando pulsamos el botón OK se aplica el filtro con el radio que hayamos elegido.

Figura 21: Filtro paso alto

 

Ahora deberemos realizar los ajustes finales. En primer lugar deberemos decidir que modo de fusión utilizaremos, podemos usar luz fuerte o luz suave. Con la luz fuerte tendremos un nivel de enfoque mucho mayor que con la luz suave. Un segundo ajuste que podemos modificar es el deslizador de opacidad. Por defecto está puesto al 100%. En esa posición tenemos la máxima cantidad de enfoque posible, si reducimos el porcentaje reducimos la cantidad de enfoque que aplicarmeos a la imagen. Esos dos controles podremos modificarlos en cualquier momento.

Como vemos con el enfoque paso alto hemos obtenido nuevas ventajas sobre la mde, estas son la posibilidad de ajustar el enfoque a posteriori, incluso eliminarlo. Al usarse una capa para aplicar el enfoque nos permitirá utilizar técnicas más sofisticadas que veremos en capítulos posteriores.En el capitulo siguiente trataremos el enfoque basado en luminosidad con el que eliminaremos un problema que hasta ahora no se había resuelto, los cambios de color en los bordes.

Ir al artículo siguiente: El enfoque en digital VIII – El enfoque basado en luminosidad I

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EL formato raw. Ventajas VI – Las curvas – Anexo

Posted by caiser en octubre 20, 2007

Ayer utilicé una foto de mi hijo en la nieve en uno de los ejemplos en los que necesita luces altas. Lo primero que vi al abrirla en Adobe Camera Raw era que la nieve estaba prácticamente quemada.. lo podéis ver en la figura 1. He querido añadir este ejmplo ya que es mucho más evidente que el que utilicé en su día.

Figura 1

Para procesar la foto solamente la he pasado por Capture NX, sin cambiar ningún deslizador, así que la podemos considerar como el JPEG de la cámara. Los blancos están totalmente quemados, sin información. Esto se puede ver todavía mejor si observamos el histograma en la figura 2. Las luces están reventadas.

Figura 2

Otra forma de verlo sería usando ACR y diciéndole que nos avise si en el algún lugar hay blanco puro o algún canal quemado. Esto lo hace marcando en rojo las zonas quemadas, podemos verlo en la figura 3.

Figura 3

Sin embargo si utilizamos el deslizador de recuperación conseguiremos recuperar toda la información que existía en la nieve, cosa imposible en JPG ya que tendríamos blanco puro. Las zonas rojas desaparecen completamente y aparece textura en la nieve que no existía como se puede ver en la figura 4.

Figura 4

Como puede apreciarse en el primer recorte no existe detalle en la nieve, está totalmente quemada, es lo que nos hubiese dado la cámara si hubiésemos disparado en JPEG. Recuerda que está procesada tal y como lo hubiese hecho la cámara. La exposición estaba muy ajustada para que predominase la zona derecha del histograma y la cámara al aplicar las curvas a lavado los finos detalles de la nieve. En la segunda hemos aprovechado el potencial del raw. El único proceso que he realizado en esa imagen (aparte de la recuperación) es un ligero enfoque, por lo demás no tiene más retoque pero bajando un poco la curva se podría conseguir enfatizar más esas texturas, que ¡ahora sí, ya tenemos!.

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Problemas

Posted by caiser en octubre 19, 2007

Iba a colgar un nuevo post y no he podido. Quizás alguien haya visto algún post con una sola frase o algún otro vacío que por supuesto he borrado. No sé ni siquiera si este post se publicará. He dejado un mensaje en los foros de WordPress, si alguien puede ayudarme se lo agradeceré.

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El enfoque en digital VI – El enfoque suavizado

Posted by caiser en octubre 19, 2007

 Ir al artículo anterior: El enfoque en digital V

El enfoque suavizado

Ya hemos visto que la mde, el método más habitual para aplicar el enfoque, tiene ciertos problemas. Quizás el mayor de todos ellos es que a pesar de disponer de tres controles tenemos poca flexibilidad a la hora de ajustar el enfoque a las necesidades de una imagen en particular. Con la mde aplicamos el mismo enfoque en toda la imagen, aún sabiendo que habitualmente necesitamos distinta cantidad de enfoque en distintas áreas de la imagen. En Photoshop disponemos de otra herramienta que nos permite aplicar distinto enfoque dependiendo de los valores tonales. Se trata del “Enfoque suavizado”.

El enfoque suavizado es una herramienta que nos da más flexibilidad en el proceso de enfoque. Lo podemos encontrar en Filtros/Enfocar/Enfoque suavizado… En la siguiente imagen podemos ver una captura de pantalla del menú.

 


Figura 7

Podemos ver que el enfoque suavizado tiene dos deslizadores llamados cantidad y radio. Esos controles son similares a los de la mde. Sin embargo vemos bastantes más opciones que no están disponibles en la mde. En primer lugar tenemos un cuadro desplegable llamado Quitar. Con este podemos elegir la forma en la que la copia de la imagen es desenfocada (en el capítulo III se explicaba para que se desenfoca una segunda imagen). Como es de suponer si utilizamos distintas técnicas de desenfoque produce distintos resultados, lo que nos ofrece más opciones donde elegir.

Tenemos una segunda ventaja, si pulsamos en Avanzado aparecen tres pestañas. Con la primera tenemos las mismas opciones que en Básico y las dos nuevas son las que nos dan la ventaja. Nos permiten aplicar distinta cantidad de enfoque dependiendo de si se trata de zonas luminosas u oscuras.

Por último tenemos un cuadro de elección llamado Más exacto. Este aumenta la precisión del enfoque, aunque resultará algo más lento.

Enfoque suavizado: Quitar

En la figura 8 podemos ver el cuadro desplegable Quitar expandido. Podemos ver que disponemos de tres opciones. El desenfoque gausiano es el mismo utilizado por la mde. Si lo seleccionamos el resultado que obtendremos es similar al que obtenemos con al mde. El desenfoque de lente nos va a dar un enfoque con un radio más pequeño que el que usamos en la mde. Esto resulta muy beneficioso en imágenes con detalles pequeños. El tercero, el desenfoque de movimiento, está fuera del propósito de esta serie de artículos, está pensado para intentar corregir la falta de acutancia debida al movimiento como pueden ser las trepidaciones producidas por una velocidad de obturación demasiado baja.

 

Figura 8


En las figuras 9, 10 y 11 podemos ver como afecta el desenfoque gaussiano o el de lente. En primer lugar tenemos la imagen sin el enfoque aplicado. Es un recorte de una área de la foto con vegetación y con detalles pequeños. En la siguiente imagen se puede ver el efecto con el desenfoque gaussiano, se ha elegido un radio grande, 2,9, lo que da como resultado una imagen sobreenfocada y con pérdida de detalle. Sin embargo en la última imagen podemos ver el resultado de aplicar el enfoque de lente con el mismo radio de 2,9. los detalles finos se han conservado muchísimo mejor.

 

Figura 9

 

Figura 10

Figura 11

Enfoque suavizado: Tonos medios

Hemos visto que la segunda ventaja de esta herramienta era la posibilidad de aplicar distintos enfoques dependiendo de si estamos trabajando los tonos medios, las luces o las sombras.

Para enfocar una imagen con el enfoque suavizado lo hacemos exactamente igual que con la mde. En primer lugar fijaremos el radio y la cantidad, será el valor que aplicaremos a los tonos medios. El radio debería ser aplicado teniendo en cuenta el contenido de la imagen y sus detalles. Una vez que hayamos determinado el radio correcto ajustaremos la cantidad de enfoque que aplicaremos.

 

Figura 12

 

Figura 13

Figura 14

Enfoque suavizado: Luces altas

Una vez ajustados los tonos medios pasaremos a trabajar las luces altas. Estas necesitan ser protegidas de ser sobreenfocadas ya que si damos demasiado enfoque puede ocurrir que estas se quemen. De esta manera, determinadas zonas de luces altas que poseen poco detalle podrían pasar a ser blanco puro con el enfoque. Si disminuimos la cantidad de enfoque lo prevendremos.

Figura 15

La figura 15 nos muestra las opciones que tenemos en la pestaña de luces. hay tres deslizadores. La Cantidad de transición nos sirve para determinar que cantidad de enfoque reduciremos. Cuanto mayor número le ponemos quitamos una cantidad de enfoque mayor. Por lo tanto, si lo dejamos a cero no disminuimos el enfoque, y los medios tonos tendrán la misma cantidad de enfoque que las luces. Sin embargo, si le ponemos un 100% como resultado tendremos que en las luces no se realizará ningún enfoque.

La Anchura tonal nos permite elegir que valores tonales se verán afecetados por la reducción de enfoque. Con valores pequeños solo se verán afectadas las luces altas más luminosas y si, por el contrario, ponemos un valor alto el rango tonal afectado será mucho más amplio.

Con el radio configuramos cuantos pixeles, alrededor de un determinado pixel, deberá ser evaluado para determinar a que área tonal pertenece ese pixel.

Figura 16

Figura 17

Figura 18

En las figuras 16 a 18 podemos ver un recorte de una zona con nieve. La figura 16 es la imagen sin aplicar el enfoqu. la figura 17 tiene el mismo enfoque que el que se ha aplicado en el ejamplo anterior y en la figura 18 podemos ver el resultado ajustando las luces. Las diferencias son sutiles, pero en la imagen 17 hay zonas que están quemadas y no ocurre así en la imagen 18

Enfoque suavizado: Las sombras

Por último aplicaremos el enfoque en las sombras. Las sombras, habitualmente, no suelen ser el centro de interes de la imagen, aunque hay excepciones. También sabemos que nuestros ojos tienden a dirigir la mirada hacia los objetos más nítidos. Al no ser el centro de atención no queremos que estas nos quiten la atención del sujeto principal y por esa razón es recomendable no enfocarlas en la misma cantidad que lo que lo hemos hecho con los tonos medios. Además el ruido en estas suele ser mayor que en las zonas iluminadas. Así pues, si reducimos el enfoque haremos que el ruido sea menos prominente.

El menú de las sombras es exactamente igual que el que tenemos para las luces altas y la forma de utilizarlo es la misma, así que no lo repetiremos.

Enfoque suavizado: Un pequeño avance

Con el enfoque suavizado ya hemos ganado algo con respecto a la mde, podemos utilizar distintos desenfoques o ajustar los requerimientos de enfoque en función de los tonos de la imagen. Sin embargo seguimos teniendo algunos problemas. En muchas imágenes nos encontraremos con que tendremos varias áreas con distintos detalles y texturas. Así pues las zonas con detalles más finos deberían recibir más enfoque que aquella con detalles más groseros. Desafortunadamente el enfoque suavizado no nos permite dicha libertad.

Se puede evitar enfocar el ruido de las zonas sombrías disminuyendo el enfoque en esas áreas pero se enfocará el de otras zonas.

Otro problema es que pueden aparecer halos y colores en los bordes extraños.

El enfoque realizado es destructivo y permanente, no se puede deshacer.

A continuación veremos el enfoque realizado con el filtro paso alto con el cual solucionamos uno de los problemas.

 

Ir al artículo siguiente: El enfoque en digital VII – El enfoque paso alto

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El formato raw en PDF

Posted by caiser en octubre 15, 2007

Para aquellos que quieran leer la serie de artículos sobre el raw sin necesidad de conexión he reunido todos en un fichero PDF. Lo podeís descargar de aquí. Lo he llamado 1.0 poruqe es posible que en un futuro lo amplíe con artículos relacionados.

Los artículos del blog son los siguientes:
El formato raw. Sus ventajas I- Flexibilidad
El formato raw. Sus ventajas II- Bits
El formato raw. Sus ventajas III – El procesador
El formato raw. Ventajas IV – Enfoque.
El formato raw. Ventajas V – Posterización.
El formato raw. Ventajas VI – Las curvas
El formato raw. Ventajas VII – Compresión
El formato raw. Ventajas VIII – Los espacios de color
El formato raw. Ventajas IX – Exposición
El formato raw. Ventajas – Daño acumulativo
El formato raw. Sus desventajas
El formato raw – Conclusiones

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